Aqui teneis mi especial jalogüin, vamos la mierda esa importada de la cultura anglosajona, aqui se ponen velitas por la noche para que cuando llegues tocado a casa te asustes con los reflejos en los espejos. Aunque a lo mejor era por otra cosa, pero como no soy supersticioso, seguro que me perdi algo y era por otra cosa.
Despues de mis posteos de esta semana llevo un mosqueo del 15, y de alguna manera me tengo que quitar el mosqueo que llevo, pongo dos discazos, y consigo batir los records de NO visita en las galletas.
Naturalmente, soy una persona ecuanime y moderada, por eso os lo voy a hacer pagar.
Así que esta es mi venganza, si no tienes fé en mis ripeos no te lo bajes y no lo oigas.
La historia original...
La Guerra de los Mundos es una novela escrita en 1898 por, Herbert George Wells, más conocido como H. G. Wells. Nacido un 21 de Septiembre de 1866, en Inglaterra. Está considerado como uno de los padres de la "ciencia-ficción", junto a, por ejemplo, Julio Verne.
Otras de sus famosas novelas, serian, La Máquina del tiempo, El Hombre Invisible, Los Primeros Hombres en la Luna, etc, etc. Pero yo creo que estaremos de acuerdo, en que, la mas famosa es The War of the Worlds (La Guerra de los Mundos), publicada en todos los idiomas del mundo mundial...je, je, y ampliamante recreada de múltiples formas, por ejemplo..radionovelas, peliculas, música, etc.
Ni que decir tiene que es ampliamente conocido el relato radiofónico que en 1938, hizo un joven llamado Orson Welles, con el que logró que cundiera el pánico entre la población de Estados Unidos. Por suerte todo quedó en un enorme susto, y Orson y la CBS, solo tuvieron que pedir públicas disculpas, aunque lograron un "hit" social, haciendo destacar la influencia y poder oculto de la radio (en aquellos años), similar al que hoy goza la televisión. Y si en Estados Unidos, todo quedó en susto, no fué del todo asi en otro pais de América, mas al sur, concretamente Ecuador...donde en 1949, dramatizaron el relato de Orson Welles, pero ni lograron acabarlo, porque la gente, después de sentir el temor de lo escuchado por las ondas, y habiendose dado cuenta de la realidad, empezaron a reunirse delante del edificio de la radio emisora, Radio Quito, y los ánimos se fueron caldeando, hasta que acabaron, primero lanzando ladrillos y piedras, y por último, incendiando el edificio, cosa que acabó en varias muertes, y la destrucción de la emisora (2 años se tardó en volver a emitir). En menor medida, también hubo desórdenes en otros paises que se hicieron montajes similares, Portugal, Chile, etc, etc. Todo ello ha contribuido a mitificar la magnifica historia que cuenta la novela, la invasión del planeta Tierra por seres de Marte, desde entonces llamados, marcianos.
La historia de la obra músical...
Nacido en Estados Unidos, pero criado en Inglaterra, pais al que llegó la familia Wayne. El padre, Jerry, era compositor, productor teatral, y ocasionalmente, actor. Influyó mucho en la vocación del hijo Jeffrey (Jeff) Wayne, que en el futuro se convertiria en un prolifico autor musical en varias formas, desde música para anuncios publicitarios, hasta bandas sonoras de obras de teatro musicales, pasando por algún que otro éxito para cantantes, caso de "Rock On" para David Essex, y también experimentó con el rock sinfónico. Entre composición y tal, se le ocurrió que haria una dramatización musical de una gran obra. Con su padre, Jerry, barajaron varias opciones, Brave New World, de Aldous Huxley, ó The Day of the Triffids, de John Wyndham. Pero fué, su cuñada, Doreen, quien sugirió La Guerra de los Mundos.
Los Wayne llegaron a un acuerdo economico con los legales poseedores de los derechos de autor, y empezaron a repartirse el trabajo. Doreen Wayne haria la adaptación, Jerry haria de editor del libreto, y Jeff empezó a buscar apoyo económico en la CBS, cosa que logró, empezando un proyecto calculado para tres años, y con un costo que multiplicó por 8 el presupuesto inicial, ya que creció hasta hacerse un doble LP, pero que rapidamente fué amortizado, en solo 6 semanas se vendieron 1 millón de ejemplares. Permaneció en las listas de éxito durante 6 años, y se convirtió en la banda sonora mas vendida del Reino Unido, a pesar de no ser ni, ópera rock, ni soundtrack de ninguna pelicula. De la obra se hicieron versión en inglés, con la voz de Richard Burton, en alemán, con Curt Jurgens, y 2 en castellano, una para Sudamérica, con la voz de Anthony Quinn, y otra para España, con la voz de Teófilo Martinez, y ésta última es la que comparto aqui.
El planteamiento me parece excepcional, al ya conocido planteamiento de la invasión marciana, se usa como hilo conductor, a un periodista, a un cura y su esposa, a un militar, o sea los poderes fácticos de una sociedad, y con ellos se va desarrollando relato, y música.
El disco...
"Nadie hubiera creído, a finales del siglo XIX, que la vida humana estaba siendo observada desde los mundos infinitos del espacio. Nadie habría podido soñar, que estábamos siendo estudiados como se examinan bajo un microscopio los organismos en una gota de agua.
Pocos hombres admitían incluso la posibilidad de vida en otros planetas. Sin embargo a través del abismo espacial, mentes infinitamente superiores a las nuestras dirigían su codiciosa mirada hacia esta tierra y, lenta pero inexorablemente, dispusieron sus planes contra nosotros."
Esta es la enigmática frase que oimos al empezar a escuchar el disco, y seguidamente empiezan unas notas musicales que se repiten alguna otra vez a lo largo de la obra, y que se vá silenciando en los momentos en que el personaje conductor, un periodista, nos va relatando la trama. La música se vá adaptando, en estilo, al escenario de la acción, y de esta forma, tenemos, enérgicos solos de guitarra, el bajo que mas que marcar ritmo, es instrumento protagonista de la música, teclados varios, violines, percusiones, pasando por rock sinfónico, progresivo, pop electrónico, y efectos varios, como por ejemplo, el sonido de distintas explosiones, rayos de fuego, el grito de guerra de los marcianos (algo asi como "uuullaaa"),etc, etc.
Para la grabación, Jeff contó con buenos músicos, casi amigos todos, y la voz estrella de un actor famoso. También contó con otra gente en la composición, Gary Osborne, y Paul Vigrass. Pero lo mejor es el elenco de cantantes.
Ni que decir tiene que, la música te absorbe la atención, te hace emocionar, te aterroriza y casi te hace creer en que está pasando realmente. Los personajes involucrados, por cierto, muy acertados, son magnificamente interpretados, en carácterización, y en voces. Asi tenemos, a Teófilo Martinez, como El Periodista, Manuel Dicenta en el papel del cura Nathaniel, Marisa Marco como Beth, su esposa, y Luis Varela, como El Artillero. Estos hacen los dialogos en español, y el resto de la obra es la misma en todas las versiones. En mi opinión, también los cantantes son acertadisimos, asi canta Justin Hayward (Moody Blues), las partes mas melódicas y románticas. Phil Lynott (Thin Lyzzy) pone su voz al cura Nathaniel, de una forma desgarrada y muy sentida. Julie Covington, pone voz a su esposa Beth, y también están, David Essex, Chris Thompson y Jo Partridge. Quiero destacar también a los músicos, poniendo primero al compositor, Jeff Wayne en teclados, Chris Spedding en guitarra, Jo Partridge, también guitarra, Herbie Flowers en bajo (magnifico), Barry Morgan en bateria, Ray Cooper, Barry Da Souza, Roy Jones en percusiones, y Ken "Prof" Freeman en sintetizadores. Del LP, se publicaron, y con bastente éxito, varios fragmentos de la obra, en formato single, caso de "The Eve of the War", "Forever Autumn", "The Spirit of Man", y "Thunder Child".
Nota: Este ripeo es de vinilo, estaba en perfecto estado, y no he necesitado pasarlo por ningún filtro. Me ha sido bastante dificil el marcar las pistas individuales (no se bien porqué, pero los tiempos al reproducirlos no son los indicados en los créditos). Aún asi, está dividido en los titulos de la obra. Mi consejo es que si lo copiais a cd, pongais a cero el espacio entre pista y pista, asi oireis toda la música seguida al reproducirlo en un equipo de sonido.
Archivo en MP3 a 320 + Fotos Vinilo, Estuche Cassette de Chuan (Gracias) y alguna carátula de cd
En espera de conseguir el gran ripeo original del gran Miguel Campoviejo, os dejo esta reedición Deluxe de 2009 de la obra en inglés, mp3 (320 Kbps). Conseguido el original (Miguel, eres un monstruo!) = JEWAGUE
Wilkinson Tri-Cycle - 1969 - Idem
Date Epic TES 4016 XSM 139296 (Reissue 180 gr Limited Edition)
A1 What of I
A2 Leavin' Trunk
A3 David's Rush
A4 Pourscha Poe
B1 Antique Locomotives
B2 9-5, '59
B3 I Like Your Company
B4 Yellow Wall
Este trio de Boston, famoso por haber hecho de teloneros de la Velvet Underground y porque los Yesterday's Childrens hicieron una versión de una de sus canciones, estaba formado por Michael Clemens (bateria), David Mello (guitarra) y Richard Porter (bajo).
A pesar de que los pocos artículos relativos a ellos en internet se entretienen contando chorradas como estas, o hablando de los productores del disco, es decir, de cualquier cosa menos del disco en si, al final todos coinciden en que el disco es muy bueno y tiene canciones maravillosas. Supongo que esto se deberá a que no hay mas información de ellos que esta, porque después del disco no hacen nada mas.
En fin pilarin, un discazo que os pongo en edición vinilo de 180 gr, y que recomiendo escuchar con cascos.
El gran y mitico disco de los Canned Heat Live at Topanga Corral.
Cuando los Canned Heat tenian contrato discografico con Liberty Records, que no queria sacar un disco en vivo de la banda (acojonante la vision de los de la discografica) grabaron en 1969 este disco en el Kaleidoscope de Hollywood (California). Ya con el sello Wand, en 1970 sacaron el disco, y su productor Skip Taylor les dijo a Liberty Records que lo habian grabado entre el 66 y el 67 en Topanga Corral para evitar problemas legales. El disco lo llamarian más tarde Live at the Kaleidoscope.
En el disco podeis encontrar una coleccion de jams, mas que de canciones, donde la guitarra de Alan Wilson brilla con particular intensidad, y por supuesto la voz de Bob Hite, el oso.
como veis, es la formacion original de Canned Heat.
De esta formacion solo quedan dos:
Alan Wilson murio en 1970, a la edad de 27 años en Topanga Canyon (California), sobredosis
Bob Hite, murio en 1981 a los 38 años en Palomino (Los Angeles), ataque al corazon
Henry Vestine, murio en 1997, en Paris, al final de la gira europea, ataque cardiaco.
Esta es la versión del disco donde lo único que han hecho ha sido cambiar el orden de las canciones, no se si por vender otro disco nuevo, o simplemente por no pagar derechos del disco original.
Bueno, aca les dejo uno de los tantos discos de Gloria Gaynor (catalogada como la mejor voz del disco) lanzado en el año 75 bajo el sello MGM, un álbum que les va a hacer pasar el día G bailando jeje. El disco, es una mezcla entre soul (mucho), disco (sutil pero en algunas pistas se nota) e incluso pasajes hablados que parecen funk. Un disco excelente, impecable que les dejo para que disfruten.
Ripeado en WAV y pasado a MP3 a 320 kbps Full artwork (frontal/trasera/sellos) escaneados a 300 dpi
Intentaremos hablar con Psicodelia, porque no hemos encontrado versión argentina en LP. Mientras tanto, el CD en mp3 (320 Kbps) y FLAC y el Expanded & Remastered de 2010 en mp3 (320)
Jon Spencer es un músico estadounidense nacido en Hanover (Nuevo Hampshire) en 1965 y miembro de, entre otros grupos, Jon Spencer Blues Explosion (JSBX), Boss Hog y Heavy Trash, además de colaborar con un puñado de bandas.
Ha tocado en varios grupos de diferentes estilos, como Pussy Galore (noise rock y rock alternativo), Shithaus (rock industrial),Boss Hog (garage rock), JSBX (grupo seminal de punk blues),Heavy Trash (rockabilly) o Spencer Dickinson (punk blues).
En 1998 apareció Acme (Matador) el, para algunos, mejor trabajo de la banda. Acme supuso una vuelta de tuerca al sonido del grupo, ya que, aunque el sonido básico (dos guitarras y batería) seguía siendo el mismo, en esta ocasión se escuchaban elementos propios de la música electrónica y el rap. Además, por primera vez se pusieron en manos de varios productores: Calvin Johnson, Steve Albini, Dan the Automator, Suzanne Dyer, Jim Dickinson y Alec Empire.
Extraido de Wikipedia
Disco algo raro por sus sonidos (rock, blues, punk...) pero que es de obligada escucha, si te gusta la musica escúchalo, algo sacarás de él.
En 1999 aparece Acme-Plus, gran trabajo con remixes y material inédito. Ambos en mp3 (320 Kbps) Interesante reseña sobre Acme-Plus aquí
ZAPPA'S UNIVERSE "A Celebration Of 25 Years Of Frank Zappa's Music" VERVE POLYGRAM - 1993
Mike Keneally Mats Oberg Scott Thunes Morgan Angren Jonathan Haas Marc Ziegenhagen
Guest Steve Vai Dweezil Zappa Dale Bozzio
Nota : El Hombre bajo el sombrero y con una capa es KENEALLY
Joel Thome concibio y dio forma, con la ayuda de antiguos componentes de diversas formaciones de Zappa, mas la adiccion de una seudo banda sinfonica y con los coros pertinentes. Se realizaron una corta serie de conciertos como homenaje al entonces todavia vivo, pero muy mermado Frank. El resultado demuestra una vez mas la calidad compositiva de Frank Zappa y la susceptivilidad de su musica para ser interpretada por otros musicos fuera del contexto de "Musica Rock"
VV.AA.(GUPOS ESPAÑOLES) UNMATCHED. Tributo a Zappa Hall Of Fame Records - 1996
Seleccion bastante apañada de diversos grupos españoles, algunos de ellos nada vinculados con el "Maestro", pero que resulta, al menos digna y donde podremos escuchar algunos de los temas compuestos por Zappa bajo un prisma y mentalidades diferentes. Es un disco valido Tras esta edicion, otra mas le siguio, al menos que tenga conocimiento, en el aparecia una feroz version del tema"Thinseltown Rebelion", lamentablemente tal disco no figura en mi coleccion. Oidlo y disfrutad (Perded el miedo a Zappa)
PETER HAMMILL "OUT OF WATER" ENIGMA RECORDS - 1990
All Instruments & Vocals by Peter Hammill With : John Ellis : Guitars David Jackson : Saxes Nick Potter : Bass Stuart Gordon : Violin
Desde 1971 año en que con el disco "Fool's Mate" Hammill iniciara su carrera en solitario, al margen de Van Der Graaf Generator, este es su disco numero 18. Hammill describe a este disco como el puente entre todas las cosas hechas anteriormente y lo que es ahora, definitivamente el comienzo de lo nuevo, a la manera de dar la despedida a una década y comenzar el inicio de otra. No es Hammill un compositor "fácil" y más complicado es, para los no angloparlantes (me incluyo) llegar hasta el fondo de lo que es quizás su mayor virtud, las letras.... No obstante en este disco encontramos maravillosas melodías que hacen que este disco sea, de alguna manera, más fácil de asimilar por los no iniciados. Pleasure
PETER GREEN "The End Of The Game" Warner Records (Reprise) - 1970
Peter Green - guitar Zoot Money - piano Nick Buck - keyboards Alex Dmochowski - bass guitar Godfrey Maclean - drums, percussion
Huida hacia adelante (?) tras su abandono de Fleetwood Mac. Lamentablemente, sin continuidad, ya que tras este disco desaparecería de la escena musical y no regresaría hasta 1979 con un nuevo disco "In The Skies" que ya nada tendría que ver, en su orientación con éste. Excelente disco de Green, completamente instrumental, que, sin dejar de lado la orientación Blues se adentra en la experimentación haciendo pequeñas incursiones en el Jazz, el Blues-Rock y a veces el Hard. Excelente banda también la que acompaña a Green en este disco.
Un poco de historia (extraido de Wikipedia)...
Sally Oldfield nace en Dublin, Irlanda, un 3 de Agosto de 1947, y con pocos años se traslada con la familia a Reading, Inglaterra, donde 6 años despues que ella, nació Mike, su hermano mas famoso, porqué hay otro, Terry, también músico, aunque de fama mas escasa. Sally, a los 12 años, cursó estudios de danza clásica en una academia, pero 4 años mas tarde dejó esa actividad. Su carrera musical comenzó en 1968, en un duo formado junto a su hermano Mike Oldfield, llamado, The Sallyangie. Grabaron un Lp, de titulo "Children of the sun", que ya ha sido compartido aqui, con vosotros. Era 1969, y contaron con la ayuda de algunos de los músicos de Pentagle, con John Renbourn al frente, Tambien publicaron un par de singles, y después deshacieron el grupo y siguieron caminos distintos, aunque Sally colaboró en algunas de las voces que suenan en el famoso disco de 1973, "Tubular Bells", y incluso, en la regrabación que se hizo del mismo disco, en 2003.
Sally, ha publicado varios discos en solitario, aunque ayudada por otros músicos. Ella suele componer los temas que continen sus discos. El primero de ellos, lo publicó en 1978, se titulo "Water wearer" , y en el, un poco al igual que su hermano, Sally toca multitud de instrumentos musicales. Finalmente, Sally dejó de lado su carrera musical, y se dedicó a otros estudios. Y incluso dejaron de verse entre los hermanos Oldfield. Mike ha declarado en varias ocasiones, que con sus hermanos, no se lleva ni bien, ni mal, simplemente, no se ven.
El disco...
Este disco que comparto con vosotros, el 9º, de un total de 13, incluyendo algún directo, contiene 10 canciones, todas compuestas por Sally, de un estilo entre folk, pop, y eso que se llamó ambiental, con algo de electrónica, y desde luego, lo que mas destaca, es la cristalina y buena voz de Sally. En este disco si que pudo contar con la colaboración de Mike, que toca guitarra eléctrica en la canción Nº 1. En definitiva, un disco para escuchar con tranquilidad, en la intimidad, como cuando estás mirando las estrellas, y de fondo pones una música especial para la ocasión, pues este es ese tipo de disco. Si puedes escuchalo asi, creo te gustará.
Lista Canciones
01- Break Through The Rock
02- Natasha
03- Keep The Fire Burning
04- Clear Light
05- My Drumbeat Heart
06- Song Of The Mountain
07- Break Like A Wave
08- Maya
09- In The Presence Of The Spring
10- Guiding Star
Con motivo de la aparición del No Secrets en la webera madre y debido a un problema para bajar el archivo, nuestro amigo Antxo comentó si alguien podía subirlo. Cuando hablé con él, nuestro eminente Dr. Bell-Otus ya había solucionado el problema, así que le pregunté si quería algún otro, a lo que contestó lo de D. Camilo José: "Venga!".
A principios de los sesenta, ella y su hermana Lucy formaron un dúo ("The Simon Sisters") y grabaron dos LP, uno de folk y otro con canciones para niños, con un sencillo que estuvo poco tiempo en listas en abril de 1964: "Winkin' Blinkin' and Nod". Su primer L.P., de 1971 y producido por Eddie Kramer, alcanzó el número 30 de ventas de álbumes y contiene el éxito "That's the Way I've Always Heard It Should Be", que a su vez llegó al top-ten en singles. Otra canción que tuvo también discreta repercusión fue "Dan, My Fling", no escrita por ella . Por este álbum, gana el Grammy al la mejor artista novel y es nominada a la mejor solista pop.
George Ivan Morrison (Belfast, Irlanda del Norte, 31 de agosto de 1945), más conocido como Van Morrison, es un cantante, compositor y músico norirlandés, con gran dominio de instrumentos como la armónica, guitarra, saxofón y piano. Debido a su característica voz y al mestizaje de la música folk, blues, gospel, country que frecuentemente realiza en sus canciones, Morrison es ampliamente considerado uno de los cantantes y músicos más influyentes de la música contemporánea (De Wikipedia).
Se puede considerar Veedon Fleece como el final de un ciclo en la música de Van Morrison. Además, como el final de su ciclo más prolífico, esplendoroso, innovador, marcado por su relación con su esposa Jane y compuesto justamente tras su separación. Posiblemente por esto, es considerado uno de sus trabajos más introspectivos y poéticos. Con su matrimonio roto, Van Morrison volvió a su patria en busca de inspiración, llegando a Irlanda el 20 de octubre de 1973 con su por entonces novia Carol Guida, donde compuso en menos de tres semanas todas las canciones del álbum a excepción de "Bulbs", "Country Fair" y "Come Here My Love"."You Don't Pull No Punches, But You Don't Push the River", canción que da cierre a la primera cara del álbum original, ejemplifica la hipnótica y críptica etapa musical de Morrison por entonces. En su día, no fue muy apreciado por el público, aunque con él ha ido pasando lo mismo que con el buen vino. Únicamente se publicó un single del disco (Bulbs/Cul de sac), con poca repercusión. Fue reeditado en 2008 añadiéndose un par de canciones, que os pongo tras haberlas bajado de la red (sólo tengo la primera edición en CD).
Vikingo y Miguel Campoviejo comparten este disco con vosotros
Un poco de historia...(Extracto de Wikipedia)
Estamos en agosto de 1980. Blackmore y Glover tienen temas compuestos ya desde el año anterior, y otro disco en carpeta, por lo que urge encontrar los reemplazos. El novato Bobby Rondinelli es elegido tras audicionar más de cien bateristas. Con él incorporado, el grupo graba bases a finales de ese mes en los Sweet Silence Studios, de Copenhagen. Blackmore está decidido a romper el mercado estadounidense a toda costa, por lo que orientan la búsqueda hacia esas tierras. Casi por casualidad descubren a un tal Joe Lynn Turner, cantante y guitarrista rítmico de una modesta banda de la costa este, llamada, Fandango, con cuatro discos en su haber, (donde además, el guitarrista principal se llamaba ¡Richard Blakemore!). Inmediatamente se decide reclutarlo, pues su voz es casi idéntica a la de Lou Gramm, cantante de Foreigner, grupo con el que Blackmore está obsesionado debido a su enorme éxito, y a la casi perfecta receta de hard rock melódico con el que trabajan sus canciones. Vuelan con Turner a Copenhagen, y el primer día surge una conversación entre Glover y Blackmore que pinta de cuerpo entero el carácter del guitarrista y su implacable metodología de trabajo: Glover le advierte que la mayoría de las composiciones fueron escritas tiempo atrás, pensando en la voz de Bonnet, con un caudal mucho mayor, y agrega: "Si le hacemos cantar esto a Joe va a largar el estómago por la boca". Blackmore, sentado a la consola, levantó la vista y respondió: "Bueno, que largue el estómago por la boca entonces"....(que caracter, eh?. )
Sea como sea, Difficult To Cure fue completado y lanzado mundialmente el 12 de febrero de 1981. El diseño de la portada es encargado a la prestigiosa firma Hipgnosis, responsables de las portadas de Pink Floyd, por ejemplo. Presenta a un grupo de cirujanos mirando al frente, es decir mirando a quien tiene el disco en las manos, dando a entender que el "Difícil de Curar" es uno mismo, quien siempre sigue comprando los discos y está pendiente del grupo. El nombre le es también adjudicado al último tema, una adaptación de Blackmore del "Himno A La Alegría" contenido en la Novena Sinfonía de Beethoven...que era sordo...y la sordera también es muy "Difícil de Curar". Con todo, los mejores momentos del disco están en el tema con el que, a partir de entonces, el grupo abriría los shows, Spotlight Kid, con una impecable letra de Glover sobre...Blackmore!, y otro instrumental, el bellísimo y sentimental "Vielleicht Das Nächster Zeit (Maybe Next Time)", una de las mejores piezas que Blackmore haya plasmado en su carrera. Al disco le sigue la gira mundial de rutina (David Rosenthal, excelente instrumentista y transcriptor y proveniente de la música clásica, reemplaza a Don Airey en los teclados ), y comienzan los preparativos para el siguiente disco.
Opinión de Vikingo...
Hola amigos, no me quiero extender mucho. Si en realidad solo tengo dos vinilos de Rainbow, "Down To Earth" (1979) y este "Difficult To Cure" (1981). El primero lo compre bajo mi responsabilidad y el segundo me llegó acompañado de un fascículo de "Rock" (ya vereis en los sellos "Planeta-Agostini") de unos tomos a los que me suscribí allá por finales de los ochenta. No llegué a terminarla, aunque tengo los cuatro primero volúmenes (los mejores) bien encuadernos y muchos vinilos de esa colección. Pero bueno, vamos a lo que vamos. Así a groso modo "Difficult To Cure" me hace pensar que Ritchie Blackmore continuaba "aflojando". Y no me refiero a su guitarra sino a sus esquemas musicales y personales anteriores, creo que dio más rienda suelta a los demás. Se estaba haciendo más flexible, no sé como decirlo, en definitiva se estaba domando su airada personalidad, tal vez debido a que se daba cuenta de que lo que le rodeaba también tenía algo de importancia. Y puede que mucho de esto se refleje en esta música.
Yo no sé que opinión puedo dar sobre un álbum poco conocido por mí, pero puedo escucharlo y describir lo que me dicen mis oidos. De ahí podreis sacar mi opinión. El tema que da comienzo al álbum es "I Surrender" de Russ Ballard, compositor de éxito que pasó por Argent.
Parece que le fue bien el single "Since You've Been Gone" del mismo autor y publicado en el disco anterior y que a mi particularmente me encanta aunque sea más pop, éste sigue la misma línea vitalista con estribillo pegadizo y melancólica guitarra que se compenetra bien con su potente riff e instrumentación de ritmo, un claro nuevo intento por llegar a más gente. "Spotlight Kid" comienza con una desenfrenada guitarra que termina cabalgando sobre el ritmo. Es de lo más cañero del disco y Joe Lynn Turner hace una buena interpretación, dentro de lo monotona que pueda resultar su voz en este álbum, incluso a veces me recuerda al mismísimo Ian Gillan. Blackmore hace al más estilo Purple un solo genial y en ocasiones festivo tradicional y le deja del mismo al teclista Don Airey que continua con atropello, dejándose los codos en las teclas.
Alucinante, aunque el sonido de dichas teclas pueda parecer algo sintetizado, algo propio de lo que la década ochentera deparaba. "No Release" comienza con un fondo de teclado sobre los que Blackmore hace unos riffs con ecos. Luego la batería cabalga de forma quedona y no sé por qué pero con esos riffs y esa manera de tocar la batería me recuerdan a mis otros queridos Led Zeppelin de su época de "Presence", incluso en la voz Turner se da un aire a Plant (salvando algunas distancias). Ritchie se arranca con un tremendo solo hasta que la voz lo rompe y esa parte central, más propia de Queen con su "Another One Bites The Dust", palmas incluidas y coros africanos tipo gospel-vudú, en principio parece que perjudican el tema, lo deja como en suspense, aunque sirve de crescendo para terminarlo con la misma energía con la que comenzó. A todo hay que sacarle buen fin. "Magic" del tal Moran es un tema enérgico más metódico, melódico y pop que se deja escuchar muy bien, aunque no tenga nada de especial, salvo los adornos solistas de fondo de Blackmore. "Vielleicht Das Naschster Zeit" para cerrar la cara A, es Blackmore con su guitarra muy sostenida, interpretando un tema con melodía muy marcada y ensoñadora, al que responde Airey hacia la mitad con unos teclados de cortes clásicos y sinfónicos, terminando el tema juntos con un buen solo de guitarra, ya en crescendo junto a la sección rítmica.
La cara B se abre con "Can't Happen Me", que parece que va a ser un rock'n'roll normal y luego sigue todo el potencial del riff principal, muy llamativo y que a mi particularmente me recuerdan a los Purple, aunque el tema no remonta y sigue en plan rock'n'roll. Turner en ocasiones me recuerda al cantante de AC/DC (si al primero o al segundo lo dejo a vuestra elección). Interesante tema dentro de su sencillez, con un solo central muy acertado de Blackmore. "Freedom Fighter" arranca planeando alto, el riff de Blackmore sobre la base rítmica y la seguridad de Turner en la voz desgranando el texto lo hacen muy atractivo, estribillo incluido, luego se tuerce algo más sinfónico en coros e instrumentación; hasta el solo de Ritchie suena raro, con sonidos altos, graves y la batería le acompaña magistralmente. Con un bajo muy bien desarrollado, también a destacar. "Midtown Tunnel Vision" comienza con una guitarra y un ritmo muy a lo Hendrix, y un tanto corrosiva después a lo Page y sigue con una cadencia en única nota, rota muy de vez en cuando, que me recuerdan a Led Zeppelin en no caigo ahora qué tema (seguro que vosotros si lo sabeis), entretanto Ritchie hace espectaculares solos y Turner desgrana la letra manteniendo el tipo.
Muy buen corte. Como empieza, acaba y da lugar al último tema que da título al álbum, en el que Blackmore introduce al poco la novena sinfonía de Beethoven, esa que cantó Miguel Rios y se explaya con la guitarra en solos propios del "In Rock" de Deep Purple y luego más suaves y luego más rockeros y luego más sinfónicos, y luego... hasta que un gong deja planear el teclado y el ritmo se aloca, el órgano parece que lo toque el mismísimo John Lord ",". Y termina el rock clásico con la guitarra solista y unas risas de señora que no pude parar aunque el vinilo terminó su andadura por los surcos hasta el papel del sello. Menos mal que no me quise extender, este disco, si soy sincero, no lo tenía muy escuchado, pero solo basta que alguien te pida un comentario para meterte en las tripas de la música, aunque sea un álbum que no te haya entrado totalmente a la primera, segunda o tercera, si te metes le sacas. Y ésta ha sido mi operación, como reza la portada. ¿A que esperas para ponerte en sus manos?
Un saludo de vuestro vikingo particular y a disfrutar.
Opinión de Miguel Campoviejo...
Opino totalmente como Vikingo.
Esta reunión compuesta por David Coverdale (que pasó por Deep Purple y posteriormente formó Whitesnake) y Jimmy Page ( miembro de Led Zeppelin y un montón de colaboraciones más) data de 1993.
Grabación con grandes temas que recoge la forma de tocar de Jimmy que vuelve a transmitirle aquellos sonidos como con Zeppelin y David con una buena afinación de sus cuerdas vocales.
El disco tiene momentos de muy alto nivel y otros momentos bastante sosos, lo tuve en un tiempo muy cerca siempre de escucha y lo he vuelto a redescubrir ahora que voy volviendo a escuchar las grabaciones de Jimmy Page.
A pesar de la juventud de sus componentes y su apariencia de grupo inocentón con caras de no haber roto nunca un plato, The Cowsills fue uno de los grupos pop mas brillantes de la segunda mitad de la década de los 60, gracias a sus estimulantes y asombrosas armonías vocales, sus ricas, complejas, pero siempre pegadizas melodías y sobretodo al gran nivel compositivo de sus jovencísimos integrantes. La banda comenzó a tomar forma a principios de 1965, cuando los cuatros hermanos Cowsill, Bob y Bill a las guitarras, Barry al bajo y John a la batería se dedicaban a tocar en bailes escolares y fiestas parroquiales en su ciudad natal de Newport; ya en estos primeros pasos del cuarteto se notaba su aprecio por las cuidadas armonías vocales, debido en gran parte a su admiración por los Everly Brothers y sobre todo de los Beatles, de los cuales podían estar hasta tres o cuatro horas seguidas tocando temas. Tras una actuación en el garito Bannisters Wharf, un pequeño sello local, Joda, se fija en ellos y les propone grabar un single; “All I Really Wanna Be Me” (con “And The Next Day Too” en la cara B) sería el resultado, un sencillo que pasaría sin pena ni gloria. Sin embargo, a finales de 1966 y tras una actuación en el programa de la NBC, The Today Show, la banda conseguiría firmar con el sello Mercury y juntarse con el productor Artie Kornfeld, que estaba totalmente maravillado del talento compositivo de los hermanos y de sus excelentes armonías vocales. Los tres singles que editarían con su nuevo sello; “Party Girl” / ”What It’s Gonna Be Like”, la versión del tema de Simon & Garfunkel “A Most Peculiar Man”, con “Could It Be” en el otro lado, pasarían totalmente desapercibidos, solamente el sencillo formado por “Most Of All” en la cara A y “Siamese Cat” en la B lograría entrar timidamente en las listas de Billboard (#118). Todos estos singles mas otros temas inéditos procedentes de las mismas sesiones, serían incluidos en el album The Cowsills plus The Lincoln Park Zoo, que Mercury no lanzaría al mercado hasta dos años mas tarde, en 1968, cuando el grupo había conseguido ya la fama en todo el país. En 1967, Korfeld convence a los hermanos para que incorporen a la formación a su madre Barbara y firmen con el sello MGM, en el cual, sacarán al mercado la canción que los colocaría definitivamente en lo alto de la popularidad; el tema sería el clásico "The Rain, The Park, and Other Things” una verdadera obra de arte, que mezcla psicodelia, con prodigiosas armonías vocales y una rica instrumentación (que incluía arreglos de harpa, un órgano inquietante y efectos de sonido de truenos y lluvia) en la onda de bandas del sunshine pop californiano como The Association, The Mamas And The Papas, Beach Boys o Sagittarius. El tema conseguiría vender 1 millón de copias y llegar al número 2 en las listas de venta de Billboard a finales de 1967, (el “Daydream Believer” de los Monkees primero y el “Hello Goodbye” de los Beatles después, le impedirían llegar al número 1). Tras el exitoso sencillo, vendría su primer LP, titulado simplemente The Cowsills, con bellas odas de pop soleado y un trabajo de producción muy cuidado, que son apreciables en “Pennies”, con trompeta a lo “Penny Lane”, en psicodelicias como “River Blue” y “Dreams Of Linda”, incluso dejarían ver unos tímidos coqueteos con el soul en “Troubled Roses” y en la versión de “I’m The One You Need” de Smokey Robinson & The Miracles. Ya en 1968, vería la luz su segundo álbum We Can Fly, considerado como su obra maestra, un trabajo dominado plenamente en las labores creativas por los hermanos Bob Y Bill; el disco produciría además varios sencillos de éxito como el contagioso himno del sunshine pop “We Can Fly” (#21 en Billboard) y la emotiva y entrañable balada “In Need of a Friend” (#54 en las listas). Además de los singles, en el album podemos encontrarnos joyas del calado de “Mister Flynn”, “Gotta Get Hawai From It All” o la psicodélica “Beautiful Beige”. Poco después, se incorporarían al grupo dos hermanos mas, Susan y Paul, y regresarían al Top 10 de Billboard con la pegadiza “Indian Lake”, escrita para el grupo por el compositor Tony Romeo. (el cual compondría después varios éxitos para la Partridge Family, un grupo creado a imagen y semejanza de los Cowsills). Curiosamente, Bob y Bill no querían sacar “Indian Lake” como sencillo, puesto que lo consideraban un tema muy facilón e infantil,
No obstante, la compañía hizo caso omiso sabiendo que tenía un hit seguro, y acertó, puesto que llegaría sin problemas a la lista de los 10 mas vendidos y a tener el reconocimiento del mismisimo Brian Wilson, que confesaba escucharla a todas horas. ”Poor Baby” (con unos grandes arreglos corales a capella) fue el siguiente single y se quedaría en el puesto 44 de las listas de venta.
Aquí les dejo en formato WAV, con tapas y sellos escaneados a 300 dpi el primer disco de The Cowsills que como dice más arriba, una oda al pop risueño y simpaticón. Un disco bastante interesante, con pasajes bastante buenos. Un trabajito adicional fue tratar restaurar el disco que estaba bastante malo pero bueno, hice lo que pude y creo que quedo bastante bien.
Ademas del WAV, añadimos mp3 (320 Kbps), ambos por ahora en Filefactory y Mediafire
BRIAN AUGER AND THE TRINITY " BEFOUR " POLYDOR RECORDS - 1969 This CD One Way Records - 1995 Brian Auger : Organ, Acustic & Electric Piano, Vocals Clive Thacker : Drums, perdussion And Armony Vocals David Ambrose : Bass Guitar & Armony Vocals Gary Winston : Lead Guitar, Vocal & Armony Vocals
Último de los discos editados por Auger And The Trinity, tras este, dio comienzo, con una orientación aún si cabe, mas jazzística su larga carrera, que dura hasta nuestros días, bajo la denominación de "Oblivion Express".
En este disco ya se deja entrever un poco de lo que vendría después y aun echando en falta la voz de Driscoll, estamos ante un magnifico trabajo, del que destacaría, sobre todo el largo tema "Listen Here" y "Adagio Per Archi E Organo"
Hacía ya, creo que años que no escuchaba este disco, lo hice la semana pasada y tuve tal "Subidón" que no me puedo resistir el ponerlo aquí (Mis agradecimientos)
Greg Lake había fichado a este grupo para el recién creado sello musical "Manticore Records" y lo que podemos encontrar aquí es un compendio de lo que PFM habían grabado para el mercado italiano (hasta entonces dos álbumes, Storia Di Un Minuto y Per un Amico) con las letras de los temas "adaptadas" al lenguaje de Shakespeare y con una más pulida producción, apareció este disco para el mercado internacional propiciando el reconocimiento de la banda a nivel mundial.
Exquisitas melodías, rock sinfónico (imperante entonces) raíces folclóricas... En fin, una joya que sigue sonando tan fresco ahora como hace 36 años, cuando vio la luz.
Este seria el ultimo disco de estudio de King Crimson, enterrados para siempre por Mr.Fripp, alegando una nueva era para la música de "Rock" donde desaparecerían las viejas Bandas (Dinosaurios) y solamente sobrevivirían los pequeños entes independientes....???
Siete años mas tarde (1981) regresarían, el concepto ya era distinto y aunque siguieron ( y siguen ) vivos ya nunca reencarnarían la concepción musical que hizo grande a esta banda.
Es esta época (1974) se rumoreaba con fundamento el regreso a la banda de Mr. McDonald (Que hubiera pasado de ser asi?) ( Hubo confrontaciones entre McDonald y Fripp?) cualquiera sabe, el listón estaba alto y la presión a veces hace tomar decisiones extrañas.
40 Th. Anniversary Series
DISCIPLINE - 2009
KCSP7
Estamos de enhorabuena o....
Majestuosa re-edición ( la enésima ya,) de los primeros e indispensables discos del Rey Carmesí
Esta entrega corresponde al ultimo de esos discos "RED" y así nos fijamos en su numero de serie hemos de esperar por los 6 anteriores.
La diferencia de esta nueva entrega en relación con las anteriores consiste en que ademas de un extraordinario sonido, ahora tenemos mezclas en 5.1 y un DVD con grabaciones de la banda. El DVD por cuestiones de tamaño e inoperancia no os lo puedo poner.
No comentaremos nada de este disco, del que ya casi todo esta dicho. Para todos los incondicionales de KC.
Enjoy
CD en mp3 (320 Kbps) y FLAC, ed 40th Ann en mp3 (320 Kbps) y FLAC, vinilo en FLAC
LOOK FOR: ROJO, ROJOF1-2, ROJO40, ROJO40F1-3 y ROJOV1-4
KING CRIMSON "In The Court Of The Crimson King.. An Observation By King Crimson"
Se han cumplido 40 años de su edición. No voy a comentar nada sobre este álbum, solamente diré que este es EL DISCO Este es mi regalo de Navidad para todos los "Galleteros"
Este es el quinto y ultimo disco del grupo antes de su ruptura en 1972, disco considerado como uno de los mas innovadores y creativos del rock progresivo australiano, en el podemos advertir una serie de estilos, instrumentos e inusuales coros vocales que lo convierten en una sucesion de momentos de gran belleza musical. En su tiempo el disco paso inadvertido, pero a dia de hoy esta ( y con merecimiento ) considerado como una de las piezas mas sorprendentes de su tiempo.
Vinilo Rip, copia de seguridad en wav by vikingo para los amigos de galletas.
Tenía este disco olvidado por ahí. No sé, a veces me vienen nombres a la cabeza y en esta ocasión me vino el de Terry Kath.
Guitarrista y voz en Chicago desde sus comienzos, tiene una importante participación en este álbum. Lo impregna con su guitarra y su voz soul y rockera en grandes piezas.
"Mississippi Delta City Blues", es un tema que tenía guardado desde hacía tiempo y que aquí lo suelta como una bocanada de aire fresco, entre rock y funky aireado con "los vientos clásicos de Chicago".
"Baby, What A Big Surprise" es otro de esos temas lentos y emotivos de los que era especialista Peter Cetera (bajista) y de los que hacían subir las ventas de este grupo, ya era marca de la casa. Para esta ocasión cuenta en los coros con su hermano Tim y con Carl Wilson de los Beach Boys.
En "Till The End Of Time", James Pankow (vientos y otros aires) hace uno de esos blues rock estilo Oh! Darling de McCartney en Abbey Road. Interesante.
"Policeman" junto a "Vote For Me" son las aportaciones que Robert Lamm hace a este disco. De carácter más crítico, social y cotidiano, Lamm nos cuenta el día a día de un policía, quizás para resaltar que dentro de un uniforme hay una persona humana que trabaja como cualquier otra y también tiene sentimientos.
"Take Me Back To Chicago" escrita por Danny Seraphine (batería y percusión) junto con el teclista David "Hawk" Wolinski y cantada por Robert Lamm, se la dedica a una persona que no tuvo la misma suerte que él...¿¿¿...??? Aparece como colaboración en el trance final del tema la fenomenal voz de Chaka Khan.
"Vote For Me", como ya dije, Robert Lamm pone la parodia y la crítica a los temas políticos y sociales, muy bien la sección gospel y coros y la solista de Kath. Al principio no me gustaba pero con el tiempo he sabido apreciarla.
"Takin' It On Uptown", es increíble desde su comienzo, Terry Kath y su guitarra y luego su voz y ese ritmo funky que parece soportar todo lo que le echen. En la funda del disco reza la frase: "Deja los ojos abiertos" y no es para menos. Uff!!!
En "This Time" canta Lee Loughnane (trompeta y voces) un tema a medio tiempo, con un buen solo de guitarra en medio, que habla del amor llevado a través del tiempo.
"The Inner Struggles Of A Man" es el único intrumental del disco. Un tema de película, por lo menos bíblica, que alcanza unos emocionantes éxtasis. (ex ta no...esta me gusta...me la como yo).
Extasis que da comienzo al "Preludio" con la voz de Terry Kath de lo que va a ser una de las más emotivas y elaboradas canciones del disco "Little One". Escrita por Danny Seraphine que le explica con cariño a su hijo lo que es en la vida. "La música es mi vida" y te la dedico a tí.
Para mí un gran álbum, meteos en su mundo y disfrutad.
Pdta. Terry Kath murió en 1978. Era aficionado a las armas, al alcohol, a algunas drogas y a las fiestas y en una de esas...se le disparó...causándole la muerte. Eso dicen.
“The other side of darkness is light; sleep is awakening; after dark night has fallen, all is new and fresh “in the morning”.
“La otra cara de la oscuridad resplandece; del sueño me despierto; cuando la oscuridad se ha ido, todo es nuevo y puro “por la mañana”.
Pocos músicos han seguido los pasos que Joey Louis Walker ha recorrido.
Muchos de sus fans saben de su duras experiencias en los estudios: han sido más de una docena de lanzamientos desde su flamante debut con Hightone en 1986. Otros le reconocen por su tarea en la producción o en apariciones como invitado en albums del mismísimo B.B.King hasta de James Cotton. El compromiso de Walker con el blues siempre ha tenido relación con sus fuertes raíces por su devoción con la música góspel. “In The Morning” es la culminación con estilo de la odisea de Walker con el blues.
Walker nació un día de Navidad de 1949 en San Francisco. Su padre procedía del área del Mississippi y su madre de Arkansas, y ambos amaban la música. Aunque a su padre le encantaban los intérpretes de piano, como Meade Lux Lewis y Albert Ammons, y su madre prefería a B.B.King, la abuela de Walker siempre le acompañaba a la iglesia. Sólo en la iglesia existe ese sentimiento espiritual que te alcanza. Es el mismo asunto que cantar el blues : el sentimiento siempre va delante.
“In The morning, when I rise, I shake the dust from my feet, I wip the tears from my eyes”, canta Walker en el tema que da título al album : “Por la mañana, cuando me levanto, sacudo el polvo de mis pies, y quito las lágrimas de mis ojos”. Sensibilidades llenas de alma penetran en cada letra que él y el coro de góspel expresan. “I fall down on my kness, and I kneel down and pray.” Amen : “Caigo sobre mis rodillas, y arrodillado suplico” Amen. Este envio está dedicado al Doctor Bellotus por enseñarnos sin descanso tanta y tanta cultura musical y desde luego por su calidad humana. El album es enviado al alimón por Jazzy & Janu.
Katetoskopio, y Miguel Campoviejo, comparten este disco con vosotros..
Katetoskopio, opina...
En mi opinión, estamos ante uno de los discos más homogéneos de los Bee Gees, que rezuma melancolía por los cuatro costados, y sin altibajos.
"World" es quizá la que me gusta más (soy faciloncillo). Me recuerda en algunas fases a la psicodelia del Hurdy Gurdy Man de Donovan, pero con un trocito acústico previo al estribillo que me encanta.
"And the sun will shine", que se incluía en el Greatest Hits, vol. 2, es quizá la que menos me gusta, excesivamente pastelosa para mi gusto.
"Lemons never forget" con más toques psicodélicos que los que mencioné antes en World es una muy buena canción, donde destaca especialmente la guitarra de Vince Melouney.
"Really and sincerely", cantada por Robin, relata en un ambiente bastante conmovedor su experiencia al haber sobrevivido junto a u primera esposa Molly a un accidente de tren en Hither Green, donde murieron 40 personas.
"Birdie told me" se da un aire, para mí, al Beatles for sale, con algunas armonías vocales que podrían haber sido hechas por los Fab Four.
"With the sun in my eyes", basada sobre todo en la voz de Barry, continúa el aire melancólico del disco, pero con alguna orquestación al fondo que explotarían más en el Odessa.
"Massachusetts", un clásico. Junto con I started a joke, una de las canciones lentas más bailables de los hermanos Gibb. La canción repite el ambiente de añoranzade todo el disco, recordando su ciudad y sintiendo que vuelve a ella (aunque está en San Francisco).
"Harry Braff", con la voz principal de Robin es una mezcla de sonidos Beatle sacados directamente del Rubber SOul y del Revolver. De las mejores.
"Day time girl", en la línea algo empalagosa de alguna criticada antes (And the sun...), pero en esta ocasión, pese a su evidente pretensión melancólica, la melodía llega mucho más, siendo para mí una canción muy aceptable.
"The earnest of being George", sincopada al estilo Bee Gees de los primeros discos es una canción de desamor (mejor corre tan rápido como puedas, yo no tengo razón para intentarlo).
"The change is made" me recuerda particularmente a algunas canciones de McCartney en solitario (de sus primeros discos), intentando hacer algo de blues.
"Horizontal", también comenzando con un aire muy pausado y con una base de piano, recoge al final sonidos psicodélicos que habían estado ausentes desde las primeras canciones del disco.
Miguel Campoviejo, opina....
Grabado en 1968, contenia una canción que ya será siempre asociada a The Bee Gees, esa canción es "Massachusetts", el nombre de una ciudad de los EE. UU, que aqui nos enteramos de su existencia gracias a esta canción. Los hermanos Gibb, tienen 2 cualidades que quiero resaltar..una es que componen unas canciones mas bien lentorras (madre mia, que recuerdos me traen..los achuchones que nos hemos pegado de jovenzuelos,eh ?), y con unos arreglos de sonido y instrumentos, que sonaban mas como si llevaran el respaldo de una orquesta, que los clásicos de un grupo de esa época, y la otra, la descubrimos años mas tarde, y es la voz en "falsete", ahora casi todos sabemos lo que es falsete, pues estos tipos casi son los pioneros en ese tipo de voz. Cabe destacar también en este disco, las canciones, "World", "Really and Sincerely" (basada en un accidente de uno de los hermanos), "Massachusetts", y la que dá titulo a este disco, "Horizontal". Los discos posteriores a este, siempre han contenido un par de canciones que gustaban mas que el resto del disco. Os lo prestamos, escuchadlo, y valoradlo, según vuestro gusto y criterio.
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